“Probablemente, mi mayor mérito consista en el hecho de ser
uno de los pocos – sino el único- de los escritores profesionales de mi país
que nunca ha sido lavaplatos, vendedor callejero, marinero mercante o cosas por
el estilo.”
ROBERT BLOCH(1917-
1994)
(*)
ALGO LLAMADO ENOCH
EMPIEZA siempre de la misma manera.
Ante todo la sensación.
¿No habéis notado nunca el paso de un pequeño pie que camina
por vuestro cráneo? ¿Un sonido de pasos sobre vuestra calavera, arriba y abajo?
Empieza siempre así.
No podéis ver quién es el que camina. Después de todo está
encima de vuestra cabeza...
(*)
Y de la cabeza de Robert Bloch surgiría "Psyco" llevada al cine por Alfred Hitchcok en 1960.
NoFicciones (Documusac) aglutina las actividades relacionadas con el audiovisual de no ficción contemporáneo realizadas en el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León): proyecciones, grupos de discusión, cursos, talleres, debates, etc.
Color perro que huye (Andrés Duque, 2011)
El Grupo de Diálogo sobre Cine Contemporáneo es un espacio de visionado, intercambio, análisis y producción de información acerca del cine y vídeo contemporáneos, con especial atención a la no ficción.
Fotograma de Nostalgia de luz (Patricio Guzman, 2010)
ORGANIZACIÓN
Planteado como un grupo autogestionado de asistencia libre, coordinado por el DEAC MUSAC, su actividad se centra en reuniones realizadas en torno a proyecciones mensuales programadas de forma colectiva. Las proyecciones tendrá lugar los primeros jueves de cada mes a las 20,10h.
Las sesiones de diálogo se realizan los martes anteriores a los jueves de proyección y son conducidas alternativamente por uno de los miembros del grupo. En la misma se propondrán temas de discusión en función de los intereses del grupo así como la programación de las proyecciones futuras.
INTEGRANTES
Podrá formar parte del grupo cualquier persona con interés en el cine y vídeo contemporáneos y que tenga una actitud de participación activa en las reuniones y actividades de dicho grupo.
ACTIVIDADES
Reuniones y coloquios mensuales.
Programación de películas/vídeos para su proyección los primeros jueves de cada mes.
Uno de los primeros directores interesados en el germen y análisis de la violencia humana ha sido duda; R. Rossellini. Su gran obra maestra Roma, ciudad abierta (1945), inauguraba no sólo la nueva escena del cine contemporáneo, sino que además se interpretaba como una denuncia ante la despiadada e irrefrenable crueldad humana. Planos de violencia explicita (que recuerdan a S. Eisenstein, en El acorazado Potenkim, 1925.), interminables secuencias de tortura y hasta un disparo inesperado en presencia de un niño inocente…se muestran como imágenes contextualizadas en el marco del fascismo italiano. Un periodo represor y salvaje que también interesó a otro creador italiano; Pier Paolo Pasolini, figura controvertida del cine y seguidor confeso del Marqués de Sade, Saló o los 120 días de Sodoma (1975) es una buena muestra de todo ello. Decía Pasolini que el capitalismo acabaría con el mismo hombre, profetizando sin temblor “la pérdida de la singularidad humana”. Una pesadilla en la que el hombre termina por devorar a los suyos, como un Laocoonte a sus hijos. Me pregunto si hay una imagen más terrible. Mientras, todavía guardo en mi retina la mirada sangrienta de Charlotte Gainsbourg en Anticristo(2009) de Von Trier, dónde esa mujer y madre se refugia en el sexo, como queriendo aligerar la pesada carga que supone la muerte de un hijo. Una oscura sublimación que ya nos mostrara, Luís Buñuel en La Edad de Oro (1930) con la famosa escena del filicidio, dónde después del éxtasis bucólico unos padres celebran la muerte de sus hijos. Puro surrealismo y una vuelta más de tuerca, a esa sugerente "relación entre el amor y la muerte" (J.A. Ramírez, Marcel Duchamp, el amor y la muerte incluso. Siruela 2006). Interesantísima conexión que también despertó los instintos de MarcelDuchamp, el artista absoluto del dadaísmo.
Photo : Japón (2002)
En la filmografía de Carlos Reygadas parece que todo esto que sucede de forma sigilosa, casi sin darnos cuenta oculto, tras una cotidianeidad abrumadora y a ratos insoportable, que provoca que también los personajes rompan esa rutina de la forma más dramática. Precisamente en Japón (2000), el cineasta mejicano reflexiona acerca de la rutina de las ciudades, las tensiones, el tráfico, el asfalto, el vacío… introduciéndonos de lleno en un periplo existencial, que lleva al protagonista hacía un pueblo perdido con la intención de suicidarse. La música de Bach, Shostakovich y Arvo Pärt, le acompañará a modo de réquiem y marcarán el ritmo durante toda la película.
No debemos obviar la pasión de Reygadas por la música. Ni tampoco su predilección por la exaltación del paisaje y los sonidos de la naturaleza. Dónde se recrea como lo haría el mismo Andréi Tarkovski, en una magnífica fotografía, unos hermosos planos secuencia y unos sonidos en fuera de campo que nos sugiere mucho más de lo que podríamos ver. Como sucede en la escena de caza; el desgarro del animal nos llega hasta lo más profundo del alma. Y con esto, una vez más podríamos establecer relaciones con otro cineasta Michael Haneke, que con la muerte de los animales en su películas, nos está alertando de la presunta normalización de la violencia en la sociedad actual. Una furia que ambos canalizan a través del sexo, Haneke lo hizo en La pianista (2001) y Reygadas lo consigue en Batalla en el Cielo (2005). Dónde una felación explícita se encarga de introducirnos en la anodina vida de un chófer que con ayuda de su mujer secuestran a un niño que desgraciadamente muere .Ni su esposa, ni su amante-prostituta conseguirán que supere toda la culpabilidad que le atormenta, a pesar de ampararse en el hedonismo como salvación.
Photo: Batalla en el cielo (2005).
El sentimiento de culpa vuelve a ser fundamental en Luz silenciosa (2007). La influencia de Carl Theodor Dreyer (Ordet, 1955)no se oculta, no sólo se encuentra en lo netamente visual sino que va más allá, percibiéndose tanto en lo puramente conceptual como de alguna forma, en la psicología de los personajes y el argumento entorno a un triángulo amoroso en el interior de un matrimonio que pertenece a la comunidad de menonitas mejicanos (incluidos en el protestantismo). El peso de la religión, la cultura y la tradición, como subyugadores de las pasiones y el origen de todo malestar, que diría Freud(El malestar de la cultura, 1929).
Muy bien perfilada toda la película (carencia importante de las dos películas anteriores, que divagaban en exceso) su fotografía vuelve a ser preciosista, mostrándonos definitivamente, al gran director que es el mejicano Carlos Reygadas. Nos quedamos con esa secuencia bajo la lluvia, el dolor en silencio y la feminidad absoluta. Una vez más el amor y la muerte como principio y fin.
COORDINA: Esther González Couso (Profesora del Centro de Idiomas - Coordinadora y colaboradora de la publicación cultural Azul Eléctrico, sección Cinema).
OBJETIVOS:
Durante el presente curso realizaremos un breve recorrido por el universo transgresor del director Pedro Almodóvar, analizando todos aquellos elementos y obsesiones que dan sentido y significado a sus películas. Mostrando especial atención en los aspectos relacionados con la cultura española.
El programa se divide en tres secciones, tres décadas fundamentales en el desarrollo de su original personalidad creativa.
Completaremos la formación con el comentario de película y diversos fragmentos.
PROGRAMA:
I. La inocencia de los primeros años; Pepi, Luci y Boom… y otros desvaríos. La llamada “Movida Madrileña” y el triunfo de Mujeres al borde de un ataque de nervios.
II. De la comedia esperpéntica al melodrama, el cine de los 90. Todo sobre mi madre, el reconocimiento internacional y los premios.
III. La maestría de los últimos años y la confirmación del genio. Hacía un cine más maduro, complejo y reflexivo; Los abrazos rotos y su última película La piel que habito.
LAS PELÍCULAS:
1. Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). (*)
2. Todo sobre mi madre (1999).
3. Los abrazos rotos (2009).
HORARIO DEL CURSO:
Todas las clases en el Centro de Idiomas- ULE (Aula 1).
-Jueves 11, de 16.00 a 19.30 horas
-Viernes 12, de 16.00 a 19.30 horas
-Viernes 19, de 16.00 a 19.30 horas
(*) Versión española - Mujeres al borde de un ataque de nervios
Antonio Banderas y Pedro Almodóvar comentan con Cayetana Guillén Cuervo los recuerdos del rodaje de "Mujeres al borde de un ataque de nervios"
Coordina : Esther González Couso (Profesora del Centro de Idiomas y Colaboradora de la publicación cultural Azul Eléctrico)
PROGRAMACIÓN PREVISTA:
1. Pa negre (Pan negro), Agustí Villaronga (2010). 108 min. 5 de julio.
2. Balada triste de trompeta, Alex de la Iglesia (2010). 107 min. 8 de julio.
3. Buried (Enterrado), Rodrigo Cortés (2010). 93 min. 11 de julio.
4. Los ojos de Julia, Guillem Morales (2010). 112 min. 12 de julio.
5. También la lluvia, Iciar Bollaín (2010). 104 min. 15 de julio.
Todas las películas se proyectarán por la tarde en el Ateneo Cultural "El Albeitar" de la ULE (Edificio de Rectorado, entrada por la calle Luis de Sosa).
El encuentro con los alumnos tendrá lugar a las 16.30 en el Centro de Idiomas.
Martes, 5 de julio de 2011
Lugar de encuentro: Centro de Idiomas, 16.30h.
Pan negre (Pan negro), Agustí Villaronga (2010). 108 min.
Durante los duros años de la postguerra, en una zona rural de Cataluña, un niño llamado Andreu, cuya familia pertenece al bando de los perdedores, encuentra un día en el bosque los cadáveres de un hombre y su hijo. Las autoridades sospechan de su padre, pero Andreu intentará encontrar al culpable. En estas circunstancias, se produce en Andreu el despertar de una conciencia moral que se opone a la mentira como instrumento del mundo de los adultos.
Premios :
2010: Festival de San Sebastian: Mejor actriz (Nora Navas)2010: 9 Premios Goya, incluyendo Mejor película, director y actriz. 14 nominaciones.
"El poderío visual y la expresividad de Villaronga hacen creíble, desgarrada y lírica esa brutalidad ambiental (...) Es una película dura y compleja, realista y perturbadora. Deja poso." (Carlos Boyero: Diario El País)
AZUL ELÉCTRICO CULTURA SUBTERRÁNEA nº 12, FORMAS INSTALADAS Y DERIVAS ESTÉTICAS DE VIOLENCIA.
DIRECCIÓN: Julio César Álvarez
DIRECTOR DE ARTE:Diego Chamorro
COORDINADORES DE SECCIÓN:
Pensamiento: Jorge Villasol
Cinema: Esther González Couso
Música: Eduardo García
Literatura: Paula Baldó
COMUNICACIÓN Y PRENSA: Esther G. Couso
FOTOGRAFÍA: Manuel Sardá Hugo Alonso Txema Ramos
COLABORADORES: Ricardo Adalia, Jorge Pascual ,Héctor Alonso, Alberto R. Torices, Luis Artigue, Rafael Saravia, Juan Castellano, Natxo Sobrado, Julia Cubillo, Raúl Suárez, Elpitrio, Esther del Valle, Irene Ferradas, Maribel G. Vasco, Benito Martínez, Vicente Muñoz, Javier Ordás.
CONTENIDOS nº 12 (2010): SECCIÓN PENSAMIENTO - De cómo violentar la violencia, Jorge Villasol. - Diccionario de mentes ilustres: Sigmund Freud, Julio César Álvarez. - Justificar la violencia, Esther del Valle. SECCIÓN MÚSICA - Das Skandalkonzert, Eduardo García. - The Stooges: Ferocidad animal, Julio César Álvarez. - Hüsker Dü: Desgarrando el aire para siempre. Elpitrio - ¿Quieres acostarte conmigo? Puedes cagarte en mi boca, Natxo Sobrado. - Azul Eléctrico celebró su continuidad con el directo de Galáctica y The Beach, Editorial. - Brian Josneston Massacre, La última (y más odiosa) banda de Rock n Roll, Julio César Álvarez. - No soy de los vuestros. Raúl Suárez. - Sonidos Azul Eléctrico: Sail Away, Randy Newman, (1972), Jorge Villasol. - Entrevista a Triángulo de Amor Bizarro por Julio César Álvarez. - Crítica de Discos. AA. VV SECCIÓN CINEMA - Agresión financiera (American Psycho, 2000), Benito Martínez. - Children of the Night … What music they make! (Déjame entrar, 2008) Javier Ordás. - Elephant: Hay un animal enorme en tu habitación, Jorge Villasol. - Pareja en delito, Julio César Álvarez. - Carlos Reygadas y la sublimación de la violencia a través del amor y la muerte. Esther González Couso. - Después de lo violento. Ricardo Adalia. SECCIÓN LITERATURA - Cosas de pulgas, Paula Baldó. - Le llamaban Bode, Juan Castellano. - Quinta Fase Lunar, Rafael Saravia. - Te veo así, Warhola, Julia Cubillo. - La violencia vivida, Héctor Alonso. - Enjaulada, Irene Ferradas. - Clavel y oración, Vicente Muñoz. - (sin título) Jorge Pascual. - El violento y fascinante Madrid de los años 70 (Malditos, 2010, Luis Antonio de Villena) Luis Arigue. - Colonos, Alberto R. Torices. - Despierto, Julio César Álvarez.
Llegó precedida de rumorología; los medios difundían la última película de David Lynch como una paranoia de tres horas sólo apta para “una extraña corte de neoyorkinos” (El País 23/12/2006). La distribución de la cinta fue por tanto escasa, y apenas se exhibió en la pantalla grande. Nada nuevo para Lynch, el “fracaso” comercial le persigue desde que dirigiera Dune (1984), una pretenciosa cult movie de ciencia ficción, que divaga por una cosmogonía excesivamente mística e indigesta. El cine de Lynch no es fácil, su delirante onirismo actúa como un revulsivo para ese “rebaño global”, que ya citaba G.H. Rivière en alusión al público que visita los museos, el mismo que acudirá en masa a presenciar un fin del mundo señalado en el año 2012. Una demostración de la pirotecnia que es capaz de ofrecer el s. XXI, la realidad efectista que seduce a la “sociedad del espectáculo” de Guy Debord y que, también, atacará frontalmente un decididamente maduro David Lynch en esta gran obra maestra que es Inland Empire. Un nuevo punto de inflexión en el cine contemporáneo, especialmente en cuanto a la concepción de la forma y la sintaxis. Un año cero en la era de la post-postmodernidad del celuloide. Se trata precisamente de la disolución de las reglas del cine clásico, en ausencia de un guión, y filmando todo con una triada de cámaras digitales que consiguen un resultado más colorista y próximo al video-arte. Todo ello le permite a Lynch la audacia de un “automatismo” de trazo surrealista que nos inserta como espectadores en un juego de rol, a ratos incomprensible y a ratos modelado con retazos de realidad, ficción y simulacro. El punto de partida se establece en la única referencia que tenemos en todo el film, que es la historia de una actriz madura (Laura Dern), marginada por el “establishment” hollywoodiense, que prefiere chicas jóvenes, guapas y a ser posible tontas. Un día recibirá la llamada de un productor que le ofrece un papel en una película, un drama titulado “Flotando en las mañanas tristes”. A partir de entonces se implicará tanto en el rodaje que perderá todo referente con la realidad, sumergiéndose en una compleja tramoya de pasillos estrechos, habitaciones lúgubres (al modo de Cabeza borradora, 1976), personajes siniestros y atmosferas intactas de cálidos cromatismos, que recuerdan a las pinturas de Edward Hopper y a la estética americana de los 50. Habituales escenarios “lynchianos” dónde nos irán detallando las pistas para configurar nuestro propio mapa mental, el de un universo perverso y decididamente femenino, que se complementa con el resto de su filmografía, pero especialmente con Mullholland Drive (2001) y Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992). Una vez más, en Inland Empire, confluyen la complejidad y perversión íntima de la mujer, con la terapia una tanto psicoanalítica en la que el director de culto purga sus miedos y reconocidas obsesiones. Ello le sitúa en una posición inclasificable, la de un genio que se codea con individuos de la talla de Bergman y sus féminas dolientes (Persona, 1966), o reflejos en el llanto y la contradictoria belleza de un primer plano, la intriga de Hitchcock y sus desconcertantes bellezas platino (la Kim Novak de Vértigo, 1958), o, también, las enigmáticas damas de Buñuel (Belle De Jour, 1967), que urden en pasiones abyectas y oscuras. Y, por supuesto, la dualidad de esa belleza perfecta y pura, la muerte, que en su cine es impactante y curiosamente atractiva. También la escena de moribundia de Inland Empire resulta realmente angustiosa e interminable, aunque finalmente nada de lo que nos ha contado es lo que parece, y es precisamente ése juego de ironías macabras donde mejor se inscribe el “monstruo” Lynch.
Esther G. Couso publicado en Azul Eléctrico Cultura Subterránea.
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